Блог

Подписаться на RSS

Популярные теги Все теги

Жан-Этьен Лиотар - король пастельной живописи!

Швейцарского художника Жана-Этьена Лиотара называли живописцем королей и красивых женщин.

Художник работал в технике пастели, очень распространенной в XVIII веке, и владел ею в совершенстве. Но Ж.-Э. Лиотар был не только виртуозным мастером этой техники, но и ее убежденным теоретиком. Он считал, что именно пастель естественнее всего передает колорит и тончайшие переходы светотени в пределах светлых красочных тонов.

Все в его жизни складывалось из счастливых случайностей и обстоятельств, которыми талантливый художник, одаренный к тому же практическим умом, умело воспользовался.

В свое время семья Ж.-Э. Лиотара вынуждена была эмигрировать из Франции в Женеву. Будущий художник одно время учился в Париже у гравера и миниатюриста Массе. Потом в жизни Ж.-Э. Лиотара начались годы странствий, во время которых он побывал во многих городах и странах. Он путешествовал как спутник знатных особ, как это часто приходилось делать многим художникам XVIII века.

Путешествия давали Ж.-Э. Лиотару разнообразный материал для наблюдений и приучили его почти к документальной точности зарисовок. Для портретов Ж.-Э. Лиотара характерна исключительная точность в воспроизведении модели, и именно этим художник стяжал себе европейскую славу и приобрел высоких покровителей. Он встретил радушный прием и у австрийской императрицы Марии-Терезии в Вене, и у римского папы в Риме, и у турецкого султана в Константинополе. Всем нравилось в портретах Ж.-Э. Лиотара сходство лиц, законченность в изображении материалов одежды и украшений и красочность его полотен.

  

 


Картины, представленные в публикации, выполнены в технике пастели на бумаге или замше.

#учимся_у_мастеров #АртКлассОнлайн #АртКласс #ХудожественнаяШколаДляДетейиВзрослых #art #artist #курс_пастель #про_искусство @ Yekaterinburg, Sverdlovskaya Oblast', Russia

Городской пейзаж. Разбираемся с терминами


Название жанра "Городской пейзаж" говорит само за себя – в художественном сегменте так называют картины, где изображены города, здания и улицы, архитектурные сооружения, реальные или выдуманные достопримечательности. Как жанр живописи он делится на несколько подвидов:

·         Ведута – изображение города;
·         Архитектурный – изображение архитектурных памятников;
·         Каприччо – рисование вымышленных руин;
·         Урбанистический – изображение башен, небоскребов, современных городов;
·         Индустриальный – романтизированное представление промышленных строений.

Ранее он был, скорее, абстракцией, являющейся частью заднего плана других полотен. Только со временем его выделили в отдельный жанр, заслуживающий внимания. Познакомиться с этим миром можно в Галерее Русского искусства Old-Art 

История направления


Первоначально городской пейзаж акварелью, маслом, акрилом или карандашом выполнял роль фона в религиозных картинах. В самостоятельный вид он перерос после ряда работ европейских художников, отчасти являющихся изобретателями масляной живописи и геометрии перспективы.

Независимым городской пейзаж стал в XVII веке в Голландии. С тех пор он использовался известными деятелями для построения сложных композиций городского ландшафта. Среди мастеров, использовавших его, выделяют Яна ван Эйка, Рогир ван дер Вейдена, Карло Кривелли, Яна Вермеера, Марко Риччи и других.

Наибольшую популярность сразу после Голландии жанр получил в Англии, Франции и Германии. Затем распространился в Европе. Пик популярности пришелся на Венецию в XVIII веке, отчасти благодаря таким великим художникам как Каналетто и Гварди. Городской пейзаж зимы, осени и других времен года, дождя, города, села, с луной, солнцем и другими деталями быстро стал достоянием открыток, которые активно покупали туристы.

Самым известным художником Венеции, который работал в этом направлении, является Каналетто или Джованни Антонио Каналь – его настоящее имя. Он являлся главой венецианской школы и оказал значительное влияние на работы всех мастеров, которые творили после него. Одной из самых популярных является «Возвращение Бучинторо к молу у дворца Дожей». В этой работе есть много сложных приемов: отражение в воде, реалистичные облака, игра тени и света, максимально выигрышный ракурс архитектурных объектов.

Джованни Антонио Каналь (Каналетто) Возвращение Бучинторо к молу у дворца Дожей Холст, масло, 1730 г, 182×259 


В конце XIX века, когда на пике популярности были великие художники Камиль Писсаро и Поль Синьяк, городской пейзаж стали изображать в динамике повседневной жизни. В центре были маленькие улочки, широкие бульвары, вокзалы, мосты, а работы с людьми имели колоссальный спрос.

Камиль Писсарро Старый рынок в Руане 
1898 г., 81.3×65.1 


Однако ажиотаж со временем угас, что связано с изобретением фотографии – теперь запечатлеть нужный вид можно было за пару секунд без всякого труда.

Интересные факты о жанре урбанистического пейзажа


Интересно, что большой вклад в развитие внес художник, который не собирался это делать. Он не рисовал именно в этом стиле, не агитировал деятелей искусства обратить внимание на него.
Джон Ренд – так звали мастера – просто изобрел в 1841 году оловянный тюбик для масляной краски, и этим незамедлительно воспользовались его коллеги. Такой вклад повлек за собой то, что полотна стали более реалистичными, живыми и близкими к зрителю.

Еще одним интересным фактом стало «модное» в XIX веке направление – рисование так, будто все объекты виднеются сквозь стекла окон, залитых дождем. Казалось, импрессионисты соревновались в способности прорисовать как можно больше вещей: парков, улочек, площадей, водосточных труб и наклеенных на них афиш, крыш домов или фонарей ночью. Иногда добавляли туман, что выглядело еще более загадочно и мистично.


В наши дни популярность приобретают смешанные техники написания городских портретов и урбанистической архитектуры, абстрактные композиции и индустриальные пейзажи в различных стилях. Не уступает им символизм, акцентирующий внимание не на внешней, а на внутренней составляющей изображенных на рисунке объектов.

Бато Дугаржапов. Набережная

Кошелев В.П. Старый город. Таллин. б. акв. 38Х61 (Галерея русского искусства Old-Art)


История об удивительной художнице Katy Living

История об удивительной художнице Katy Living

Думаю, многие знакомы c удивительными авторскими игрушками от Katy Livings, которые будто бы сошли со страниц старых английских сказок, но мало кто знает непростую историю их автора. Поэтому я хотела бы поделиться по-настоящему поразительной историей этой талантливейшей мастерицы.Итак, о Кэти… Страсть к шитью начала проявляться у Кэти с самого детства, с пяти лет. Тогда она шила игрушки с одеждой вместе со своей бабушкой. В дальнейшем она выбрала себе профессию текстильного дизайнера, отучилась в Ноттингемском Университете. Ей удалось поработать в крупных и известных компаниях по дизайну тканей и одежды в Великобритании и Франции. Однако успешная карьера отнимала у нее все время и не давала возможностей для реализации своих собственных идей. По-настоящему посвятить себя творчеству Кэти смогла лишь после серьезного испытания в жизни.

В конце 2004 года у Кэти появились серьезные проблемы со здоровьем, на борьбу с которыми у нее ушло 10 лет. А конкретнее – у нее перестали работать руки. Она потеряла работу, потеряла возможность что-либо создавать и творить. А справиться с этим сложнейшим испытанием в жизни Кэти помогли её близкие, её семья.

После 10 лет борьбы и лечения ей удалось восстановить подвижность рук, и это стало великим событием в жизни мастерицы. За этот период она осознала, что готова сделать все возможное, лишь бы восстановить себя в качестве создателя. И хотя Кэти продолжает лечиться и порой ей приходится очень непросто, она продолжает работать и создавать уникальные, милые игрушки.Сейчас она работает дома. У неё есть своя мастерская, которая находится в глубине сада. Это деревянный летний домик, переделанный в помещение для работы, со швейной машинкой, винтажным столиком, гладильной доской и наполненный разными тканями, нитками, лентами, выкройками — в общем, свое маленькое царство, о котором мечтает каждая мастерица. С утра и до обеда она работает в своей мастерской. Когда дети возвращаются домой после школы, она работает в столовой, завершая и упаковывая своих очаровательных кукол и подготавливая работу на следующий день.

«Я использую свое ремесло как способ показать, как сильно я забочусь о ком-то» — вот чем является творчество в жизни Кэти.

Когда она обнаружила, что детские комнаты ее двух детишек битком набиты игрушками ручной работы и нет друзей или родственников, кому бы она не дарила свои удивительные изделия, она решила расширить круг «заботы» и начала создавать игрушки на заказ, для людей с разных уголков мира.

Порой, когда к нам приходят испытания и мы не знаем, как реагировать на них — самое главное, это сохранить любовь в своем сердце! И тогда эта любовь найдет возможность реализовать себя в вашей жизни.

Всех вам благ, читатели! Берегите себя, берегите своих близких и окружающий вас мир!

Источник:

© https://www.livemaster.ru/topic/2741055-istoriya-katy-livings-ili-zhenschina-pobedivshaya-bolezn-radi-vozmozhnosti-tvorit?login=1

Особенности рисования стеклянных предметов

Особенности рисования стеклянных предметов

Стекло - необычный материал: прозрачное, отражающее, преломляющее, многоцветное. Рисуя бесцветное стекло, следует помнить об изображении полированного металла. Невозможно изобразить стекло само по себе. Оно всегда отражает в себе то, что его окружает. Кроме того, через стекло можно увидеть другие предметы. Следовательно, мы рисуем стеклянный предмет, отражая и искажая в нем другие объекты.

Поскольку поверхность стекла очень гладкая, отражения в нем получаются четкими и определенными, как и на поверхности полированного металла. Хорошее зеркало никогда не бывает туманным и размытым, оно дает совершенно четкое отражение. Наш глаз всегда увидит на поверхности стеклянного предмета блики. Это свойственно любому блестящему предмету. Блики на предметах из прозрачного стекла бывают очень яркими. Их следует изображать чистым белым цветом.


Когда мы рисуем стеклянные предметы, мы должны довериться собственному чутью. Прозрачную невидимую поверхность можно увидеть только благодаря отражениям, которые на ней образуются.

Что касается резного стекла, то изображение его имеет свои особенности. Резьба на поверхности стеклянного предмета не только искажает форму отражений, но и образует красивый рисунок, подчеркивает форму стеклянного (хрустального) предмета.



Рисование стеклянных предметов требует наблюдательности - большое количество бликов, отраженного света, теней и полутеней делает изображение стеклянных предметов карандашом одним из самых сложных процессов.

Собираемся на пленэр!

Аланнэ Кирилл Анриевич (род. 1974) Париж-Петербург. 2005 г.


Пленэр (от французского en plein air — «под открытым небом») — это необходимый, сложный и интересный этап развития каждого рисующего человека. Ещё французские импрессионисты, выйдя за пределы мастерских-студий открыли для себя невиданное разнообразие, яркость и изменчивость света и цвета в нашем мире, которых не увидеть, сидя в четырёх стенах.

 

Ясно, что рисовать на своём рабочем месте или в учебной студии среди своих единомышленников — намного проще и привычнее, а на свежем воздухе ожидает масса новых, непредсказуемых вещей и отвлекающих факторов. Но рисовать и писать «в полевых условиях» — это шанс узнать много нового о мире, повысить свой уровень и в целом интересно и с огромной пользой провести время.

 

Главное при выезде на пленэр — правильно подготовиться, чтобы чувствовать себя комфортно в непривычных условиях.

Начнём с того, что пленэр может быть городским и выездным. Либо вы субботним утром вышли в парк на соседней улице порисовать распускающиеся пионы, либо вы выезжаете на несколько дней в совершенно новое место, чтобы порисовать живописные пейзажи, которых не встретишь в шаговой доступности. Разберёмся, что нам потребуется в первом и во втором случае.

 

Что нужно для пленэра:

 

- Оборудование

Планшет, на котором вы будете рисовать. Здесь сгодится прямоугольный кусок фанеры или ДВП или специальный планшет из художественного магазина (прямоугольник ДВП, скрепленный с обратной стороны деревянными рейками). Формат зависит от ваших планов и предпочтений, но обычно это примерно А3. Чтобы упростить себе жизнь в городе или в путешествии, где каждый грамм на счету, можно взять альбом с жесткой обложкой (они так и называются «планшет для рисования»), который позволяет обойтись без дополнительных подкладок. Если вы пишете акварелью, то вам прекрасно подойдут склейки акварельной бумаги различных форматов (в них листы проклеиваются между собой по всему периметру, а сзади находится жесткая картонная подложка).

Или же вы вообще берете блокнот или скетчбук небольшого формата с соответствующим качеством бумаги и носите его с собой, рисуя при каждом удобном случае. Особенно это здорово, если вы путешествуете. Но и в обычной жизни, в своём городе, это очень-очень хорошая практика.

Этюдник или складной мольберт-тренога. Этюдник (деревянный ящик с телескопическими ножками, откидной крышкой и отделениями под краски и кисти хорош, пожалуй, всем, кроме своего веса и габаритов. К тому же, если вы начинающий художник, то можете быть пока не уверены в необходимости такого вложения (цены на этюдники начинаются от 5-6 тыс. рублей), да и носить его с собой удобно далеко не всегда. 

Многие обходятся складным мольбертом из алюминия, который очень мало весит и весьма компактен в сложенном виде. На мольберт вы ставите свой планшет, а краски, емкость с водой и палитру располагаете рядом с собой, либо на коленях.  

Сидение из пеноматериала (оно же «пенка», «каремат» или «поппер»). Всем известная туристическая сидушка из пенополиэтилена, часто снабженная резинкой для ношения на поясе. Позволяет сидеть где угодно и на чём угодно, без риска простыть. В нашем случае кладется поверх складного табурета для дополнительной жёсткости и удобства.Опять же, комбинация «складной табурет + пенка» предусмотрена для длительных выездов, а если вы отправляетесь рисовать в город или, скажем, в музей, то можно и без неё.

Складной табурет. Если вы работаете сидя, то, возможно, вам не потребуется мольберт, а свою плоскость для рисования вы просто поставите на колени. Если вы работаете стоя и пользуетесь мольбертом, то вам не нужен табурет. Однако при длительных выездах на пленэр стоит предусмотреть оба варианта. 

Большая сумка или папка на молнии для бумаги и планшета. Если вы используете бумагу довольно большого формата, то нужно, чтобы она осталась в сохранности, и тут рюкзаком явно не обойтись.  

Пенал или коврик для кистей — тут всё понятно, главное, чтобы ворс кисти не гнулся и не деформировался в пути.  Хорошие кисти стоят немало, да и в ходе работы к ним привыкаешь, знаешь и любишь их, поэтому кисти нужно и хочется беречь. 

Палитра. При работе акварелью обычно хватает крышки от коробки, где лежат акварельные краски. При работе маслом используется деревянная палитра. При работе темперой самый прекрасный вариант - одноразовые пластиковые тарелочки для пикников - такую палитру не нужно мыть, выбросил и завтра взял новую.

 

- Материалы

То, на чём будем рисовать. Бумага для акварели, пастели или графики, холсты, картон, бумага для эскизов, крафт-бумага — в зависимости от того, в какой технике вы работаете и что любите.  

То, чем будем рисовать. Краски, карандаши, мягкий материал (пастель, соус, сепия…), а также кисти и тому подобное. Для небольших акварельных зарисовок и при передвижениях по городу очень интересно воспользоваться кистями с резервуаром для воды (water-brush). Они добавляют +100 к удобству, позволяют обойтись без баночки с водой и рисовать буквально «на лету».

Ёмкость для воды (если вы работаете красками). Сойдёт любая, но лучше обзавестись складным стаканом (продаются как в художественных, так и в туристических магазинах, но в первом случае такой складной стакан имеет выпукло-вогнутую кромку, куда очень удобно класть кисти во время работы. 

Губка и(или) салфетки — чтобы удалять излишки краски или вытирать кисти.

Фиксатив (лак для волос "Прелесть") — если вы работаете пастелью/углём/соусом.

 

- Одежда 

Удобная и по погоде. Голову защищаем от солнца, всё в целом защищаем от ветра и холода. Ведь даже в тёплый летний день, когда вы неподвижно сидите на открытом воздухе, вас может продуть. Если вы работаете сидя, хорошо взять с собой кофту и повязать ее на пояс, т.к. поясницу продувает проще всего.

Кроме того, если отправляетесь рисовать на природу и на продолжительное время, может оказаться полезным репеллент от комаров и солнцезащитный крем.

 

Ну вот и всё, теперь осталось сделать шаг за дверь и отправиться рисовать.

Удачи на пленэре!

 

#АртКласс #АртКлассШкола #АртКлассОнлайн #пленэр

Что за соус у художников?

Чем мы обычно рисуем? Графитные карандаши, уголь, сепия, пастельные мелки - эти материалы знакомы всем. Но не всем встречался такой прекрасный графический материал, как СОУС. Первая мысль, когда слышишь название "соус" - какая-то паста или жидкость, да? На самом деле термин "соус" в изобразительном исксстве означает толстые круглые мелки, состоящие из мела, коалина, газовой сажи и клеевого состава. Они дают очень глубокий цвет и при этом обладают ограниченной цветовой палитрой, что позволяет достигать очень благородных и красивых сочетаний цвета на рисунке. Мелки соус - очень пластичные и мягкие, их тональная градация - от очень светлого до самого угольно-черного. 

 

Уникальная особенность соуса заключается в том, что его можно использовать как в твердом, так и в жидком виде. Достаточно смешать некоторое количество крошки с мелков с водой, и можно работать кистью, как если бы это была акварель. Так можно быстро и легко затонировать лист каким-то базовым темным тоном, а затем уже твердыми мелками прорабатывать светлые и тёмные тона и наносить штриховку. При этом можно создать тончайшие переходы тона и достичь большой художественной выразительности .  

 

 

Соусом можно работать как по гладкой, так и по фактурной бумаге, но лучше всего, если бумага обладает достаточной плотностью, чтобы удерживать на себе пигмент. Если рисунок сделан соусом, разведенным водой, то он не требует фиксации. Если же работа сделана сухим соусом, то есть мелками, то ее необходимо зафиксировать (так же, как и работы пастелью или углём) и рекомендуется хранить под стеклом, либо в пачке, прокладывая между работами листы кальки. 


 

Соус бывает следующих цветов:

- черного,

- белого,

- серого,

- серо-голубого,

- серо-зеленого,

- землистого оттенка и др. 

 

Отличный соус производит Подольская фабрика, он продается в картонных коробочках или очень милых деревянных ящичках и стоит весьма недорого. Это прекрасный, послушный и выразительный материал для рисунков и набросков, особенно в большом формате. Как материал, соус стал известным в конце 18 начале 19 века. Особую популярность соусы завоевали на территории России. Именно здесь, художникам очень нравилось работать с соусом такие известные художники живописцы как Иван Репин, А. Саврасов, И. Крамской и другие. Отмечено также прекрасное сочетание соуса с углем, тушью и некоторыми другими материалами, с помощью которых удается открывать все более выразительные возможности в рисовании.




 

#АртКласс #АртКлассШкола #АртКлассОнлайн #мягкиематериалы #наброски

Волшебные тюбики


Уже почти потеплело, и скоро мы отправимся на пленэр. И мы решили рассказать об одной вещи, которая всем без исключения давно привычна, но без которой жизнь художника еще двести лет назад была в разы сложнее, чем сейчас!


Конечно же, это тюбик для краски. Это сейчас нам достаточно открыть тюбик и выдавить на палитру готовую краску нужного цвета и консистенции. Раньше художнику (или его подмастерьям) приходилось каждый раз подолгу смешивать пигменты и масла в известных пропорциях, а уж работа вне мастерской была практически невозможна. Впоследствии художники стали использовать высушенные свиные мочевые пузыри - они заполняли их пастозной красочной смесью, закрывали, и в таком виде их можно было относительно безопасно транспортировать. Другим вариантом была стеклянная тара для краски, но в стекле перевозить краски было неудобно, ведь оно часто разбивалось в дороге.


Всё это длилось до 1841 года, когда Джон Гофф Рэнд, американский художник-портретист, придумал и запатентовал тот самый благословенный тюбик. Первые тюбики делались из свинца и позволяли хранить краску герметично закрытой и использовать ее по мере необходимости. Патент Джона Рэнда тут же купила знаменитая лондонская компания Winsor&Newton, чьи краски в тюбиках с огромным успехом продаются и по сей день.


Под этим постом несколько фотографий с завода Winsor&Newton: пастообразная краска подается из экструдера в виде длинных полос и фасуется по кюветам, которые потом заворачиваются в бумажную упаковку. Или красочная смесь фасуется в цилиндрические тюбики с резьбовым отверстием с другой стороны, куда завинчивается колпачок. А на последней фотографии видны совки, которыми зачерпывают нужное количество пигмента для красочного замеса - у каждого пигмента свой отдельный совок.


Надеемся, вам было любопытно узнать, какой путь проходят привычные материалы, прежде чем стать вашими работами. И желаем удачи на пленэре, какими бы материалами вы ни работали.

#АртКласс #АртКлассШкола #АртКлассОнлайн


 

Владимирские художники


Прошлым летом наши ученики были на пленэре в Суздале и открывали для себя чудеса Владимирской земли. Но одно из самых больших чудес и сокровищ этих мест — Владимирская школа живописи. 
Яркая самобытность этой школы живописи проявилась в чистых, звучных красках. Невероятным образом, яркие, открытые цвета не создают ощущения хаоса, а строят уникальную гармонию, вызывая чувство бесконечной радости жизни и полноты бытия.

Сюжеты этих картин просты — это деревенские пейзажи, рощи, речные берега. Лиричные и близкие с детства каждому из нас. Когда смотришь на репродукцию, эти картины поражают воображение, но когда стоишь перед оригиналами в картинной галерее — это взрыв эмоций. Написанные объёмными, широкими мазками, эти картины создают объемный рельеф усиливающий трепетность изображения. Яркие, насыщенные цветом, они дарят ощущение радости, праздника души. Владимирские художники опирались на глубокие традиции искусства своей земли. Икона, мастерская лаковая миниатюра, домотканый половичок, лоскутное одеяло, светящаяся киноварью владимирская гладь — вот истоки их цветовой палитры.
Впервые художники заявили о себе после Первой республиканской выставки «Советская Россия», прошедшей в Москве в 1960 году, когда три художника — Ким Бритов, Владимир Юкин и Валерий Кокурин — показали свои произведения, результат творческих исканий и экспериментов.

Мы решили в этот раз бегло показать картины этих трёх мастеров, чтобы передать общее впечатление.

#АртКлассОнлайн #мастера #ВладимирскаяШколаЖивописи#Владимир #Суздаль #КимБритов #ВладимирЮкин #ВалерийКокурин




Краски

В школе на уроках изо мы называли красочки в медовой акварели просто «красная», «зеленая», «синяя». И многие начинающие ученики, когда приходят к нам на занятия, несколько пугаются магических заклинаний, которыми вдруг стали называться краски. «Добавь сюда немного охры, а там краплака, а тени лучше решать через кобальт синий» — «Что??» У начинающих художников уходит иногда не один день, чтобы привыкнуть к красивым и необычным именам пигментов. Но еще интереснее — история происхождения красочных пигментов. Это сегодня очень многие из них заменены синтетическими аналогами. Но еще каких-то сто лет назад все было похоже на алхимию и уроки зельеварения.

Краплак
Краплак – экстракт отвара корней марены красильной (rubia tintorium) или мальвы. Этот пигмент использовался еще в античном Египте, Греции и Риме, как дающий наиболее стойкий цвет от густого красно-коричневого до рубиново-малинового. Считается, что этот растение было привезено в Европу крестоносцами и культивировалось там с 13 века. Марена должна быть выкопана из земли и оставлена сушится небольшими стопками. Через 2-3 дня пучки марены собирают и оставляют сушиться в хорошо проветриваемом помещении. Сухие корни чистят от коры, измельчают и размалывают до пудры. Пигмент получается насыщенным, краска очень легкая, поэтому его необходимо разбавлять. Для этой цели берут глину или квасцы. Пигменты, полученные таким путем, называются лаками. Лаки – это соединения растительных пигментов с магнезией и глиноземом. Краплак содержит почти 100 процентов объема таких добавок. Краплак – это очень прозрачный и стойкий (при правильном использовании и отсутствии прямого солнечного освещения) сверкающий рубиново красный цвет. Прозрачность делает его идеальным для лессировки.

Кармин
Кармин — это натуральный краситель, получаемый из засушенных самок насекомых кошениль, которые обитают на кактусах в Мексике, Центральной и Южной Америке. Кармин обязательно смешивают с глиной, так как он слишком легкий, чтобы использовать в чистом виде. Впервые он попал в Европу после открытия Америки в 1549 году. Под прямым солнечным светом он полностью блекнет за 3 месяца. Из-за своей прозрачности этот пигмент идеально подходит для лессировки.

Киноварь
Киноварь — яркий красно-оранжевый пигмент на основе сульфида ртути. В переводе с арабского означает «драконова кровь». Киноварь ядовита. Природная сернистая ртуть называется вермильоном (фр. vermillon). В природе кристаллы сульфида ртути находили в основном в Альмадене и Индре. Лучшая киноварь происходит из Испании, но есть ее залежи в Италии, в Монте Амиата, неподалеку от Сиены. При размалывании проявляется красный цвет, чем мельче крупицы, тем светлее цвет. Осаждается из масла, поэтому, к краске добавляется воск. Традиционная лессировка краплаком, кармином и кошенилью поверх киновари не только усиливает цвет, но и предохраняет его от потемнения. Стертая в масле, киноварь сохнет очень медленно. Известно, что чем дольше свет проникает через связующее вещество, тем быстрее темнеет киноварь. От света изменяется, некоторые сорта под влиянием света темнеют и делаются коричневыми.

Ультрамарин
Природный ультрамарин получается растиранием в порошок полудрагоценного камня ляпис-лазурь. После очищения и промывания порошок смешивают с олифой. Для изготовления качественного ультрамарина необходимы точные пропорции между пигментом и олифой, качественный правильно вручную размолотый пигмент. Все вместе взятое увеличивает стоимость краски. И даже правильно приготовленная, краска остается волокнистой, очень трудной для живописи. Но в смеси с белилами этот дефект менее заметен. Окончательный результат дает очень прозрачный темно синий цвет. Только черный цвет является более темным. В смеси с белым он остается безукоризненно блестящим даже в светлых оттенках. Высокая цена, сложное приготовление и сложность нанесения - все это компенсируется великолепным окончательным результатом. Большинство художником пользовались ультрамарином очень скупо, в основном для тонкой лессировки поверх непрозрачного нижнего слоя, а не для основного тона. Природный ультрамарин в настоящее заменен синтетическим аналогом.

Индиго
Индиго использовали еще древние греки и римляне. Марко Поло в XIII веке первым описал изготовление индиго в Индии. Растение индигофера тинктория растет в тропическом климате, активный ингредиент находится в листьях. Анилиновый синий имеет ту же химическую структуру и заменил индиго в 1870 году. Индиго не удерживается в масляной основе. Для приготовления пигмента свежие листья замачивают в чане и оставляют ферментироваться. Затем их прессуют для использования как акварель или высушивают и растирают в порошок для использования как масляную краску. Растворенный в масле он дает очень прозрачный цвет, очень подходящий для лессировки. Индиго имеет очень ясный цвет с выраженным желтым оттенком, но на прямом солнечном свету быстро бледнеет.

Сажа газовая
В течение всей истории художники использовали сажу краску из-за простоты приготовления. Уголь очень хорошо поглощает свет, и на многих картинах он использовался для нанесения первоначального наброска. Название «сажа газовая» — общее для всех пигментов, получаемых сжиганием газа, нефти, дров, косточек абрикоса, сливы, вишни, миндаля и других органических материалов. В зависимости от сожженного материала цвет получается с более или менее выраженным коричневым оттенком. Художники ранее использовали сажу газовую для передачи менее освещенных участков, под густым слоем свинцовых белил. В глубокой тени над сажей газовой доминировала умбра, так как серые тона давали более тусклую тень
.
Жженая кость
Жженая кость получается от сжигания костей, рогов и т.д. в отсутствии воздуха. Она дает очень глубокий черный цвет, но не используется так широко, как сажа газовая. Кусочки кости (часто — слоновой) помещаются в сосуд, который ставится в очаг и накрывается. Под воздействием тепла кости обугливаются.

Свинцовые белила
С античных времен до 19 века использовался этот теплый белый непрозрачный цвет, быстро высыхающий, который прекрасно смешивался с любым другим цветом. Название «свинцовые белила» подразумевает, что пигмент содержит углесвинцовую соль, и как бы ни использовалась краска, чистота цвета зависит от чистоты исходного материала — свинца. Процесс очищения сразу же увеличивал стоимость пигмента. Свинцовые белила всегда оставались самой важной краской для живописцев. Это единственный пигмент, который используется в неизменном виде с античных времен до наших дней. В XIX веке появился оксид цинка, в XX диоксид титана почти полностью заменил свинцовые белила.

Желтая охра
Желтая охра — природный земляной пигмент, состоящий в основном из глины с добавками оксида железа. Цвет в основном зависит от происхождения глины. Светлые оттенки приобретают красный тон при нагревании. Наиболее чистую охру можно найти во Франции и на Кипре. Охру как натуральную краску использовали еще в доисторические времена. Она имеет различные степени прозрачности, некоторые виды ее совсем не прозрачные. Краска непрочная, и не используется как основной цвет, но в сочетании с другими пигментами дает широкий спектр природных тонов. При смешивании с белилами дает цвет, близкий к тону кожи человека. Киноварь или краплак добавляет теплоту оттенку.

Умбра
Умбра — та же охра, содержащая оксид марганца и гидроксид железа. Жженая умбра получается при нагревании обыкновенной. Из-за присутствия марганца она прекрасный адсорбент. Лучшие сорта умбры найдены на Кипре. Особенно ценится умбра с зеленым оттенком. В основном используется для первого слоя живописи. Тени, в которых использована умбра вместо черного пигмента, более теплые и естественные. У нее немного холодный оттенок. Хорошо смешивается с белилами, давая различные оттенки от зеленоватого до серебристого.

И это лишь малая толика, самые распространенные из существующих пигментов! Как-нибудь обязательно расскажем о других, если вам, дорогие читатели, будет интересно :-)

#АртКлассОнлайн #АртКласс #Екатеринбург #краски


Практики акварели: Феликс Шайнбергер


Скоро весна, мы готовим серию акварельных мастер-классов, и у нас акварельное настроение! Поэтому сегодня в нашей рубрике #АртКлассОнлайн расскажем о художнике, акварельной свободе и непосредственности которого можно лишь позавидовать.

Феликс Шайнбергер — иллюстратор, художник и дизайнер. Один из наиболее самобытных иллюстраторов нового поколения.

Родился во Франкфурте в 1969 году. Прежде чем начать изучать искусство иллюстрации в Гамбурге, Шайнбергер играл в различных музыкальных группах. Еще будучи студентом, он принимал участие в выставках и выполнял свои первые заказы. После выпуска он смог продолжить работу по специальности и за последнее десятилетие проиллюстрировал более 50 книг. Его работы регулярно публиковались в газетах и журналах; кроме того, Шайнбергер сотрудничал с несколькими театрами.

Много лет Шайнбергер провел на посту вице-президента Союза иллюстраторов Германии. Он преподавал искусство рисунка в Гамбургском университете прикладных наук, в Майнце и в Висбадене. В 2008-2010 годах он был приглашенным преподавателем изобразительных искусств в академии искусств «Бецатель» в Иерусалиме.

За последние 10 лет он проиллюстрировал более пятидесяти книг для детей. Его работы публиковались в таких журналах, как Harvard Business Manager и Psychology Today.

С 2010 года Шайнбергер преподает искусство рисунка и иллюстрации на кафедре дизайна Вестфальского университета им. Вильгельма в Мюнстере. Живет в Берлине.

А широкому зрителю в России имя Шайнбергера стало известно благодаря книге "Акварельный скетчинг". Стиль его иллюстраций в этой книге довольно своеобразный, но неизменно яркий, живой и эмоциональный. Вот несколько примеров:

#АртКласс #Екатеринбург